Las técnicas utilizadas en el arte del Renacimiento
El Renacimiento, que siguió a la Edad Media en Europa y dominó el día 14 a través de los siglos 16, produjo una explosión de técnicas innovadoras e híbridos de pintura. Artistas buscaron la fama y la gloria, junto con los clientes y comisiones, y se convirtió en el mejor renacentistas estrellas de rock, célebre por su adopción de nuevas técnicas, así como su talento y habilidad. La perspectiva lineal arquitecto Brunelleschi calculada, Leonardo da Vinci y Miguel Ángel diseccionó cadáveres para captar mejor la anatomía humana, Raphael juega con la luz y la dimensión, y Tiziano y Tintoretto impregnado su trabajo con colores intensos para expresar la vitalidad y emoción.
La precisión matemática de la perspectiva lineal arquitectónica, aplicada a la pintura, permitió a los artistas del Renacimiento para crear una sensación de dimensión real en su trabajo. Pintando temas de modo que se hicieron más pequeños y parecían desvanecerse en la distancia, artistas profundidad y la ilusión de todo, formas redondeadas de las paredes de estuco planas o lienzo. Las pinturas parecían cobrar vida, para mostrar la vida y la gente de las propiedades, formas pintadas no bidimensionales. bordes borrosos en los objetos distantes imitaban el efecto de la atmósfera de lo que el ojo podía ver. colores vivos en el primer plano, desapareciendo gradualmente en los azules y los verdes más oscuras en el fondo, mejoró la vista "lejana". Otro truco perspectiva, la perspectiva plana, separa un lienzo en planos. En Leonardo "Mona Lisa", el primer plano es la figura de colores, el plano medio es una sección distinta de los árboles de color marrón y verde, y el plano lejano es todo azul.
la técnica del fresco era un vestigio de pintura medieval que fue ampliamente utilizado para decorar iglesias renacentistas, edificios públicos y villas - Leonardo de "La última cena", creada en una pared del refectorio en Milán, es un experimento con forma fresco de verdad. La técnica requiere pintar directamente sobre yeso fresco y húmedo para que el color se seca a la derecha en la pared endurecido. Leonardo trató la pintura en capas en la pared seca - Fresco a secco - como técnica de temple de huevo sobre un panel de madera o lienzo, lo que significaba su trabajo rápidamente comenzó a agrietarse y escamas. Fresco era más popular en las ciudades más secas como Florencia que en el húmedo húmedo de Venecia, donde el yeso se desmoronó y se desintegró.
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La adopción de petróleo como un medio de pigmento, en lugar de temple de huevo tradicional, desencadenó una explosión de color e inventivas refinamientos en la pintura que no eran posibles con los medios de secado más rápido. La pintura de aceite era translúcida y brillaría, como una joya, en el lienzo en manos de un maestro. El petróleo podría ser trabajado y vuelto a trabajar antes de que se secara, y que llevó a los artistas a experimentar con una amplia gama de pigmentos recientemente disponibles. Los comerciantes de pigmento, llamadas vendecolori, negociados en colores exóticos como el bermellón, azurita, cochinilla, lapislázuli, índigo, más loco, de malaquita y varias resinas de árboles desde lugares distantes lugares tan lejanos como China, Camboya e India.
arte renacentista no estuvo exenta de rivalidades y desacuerdos. Disegno, lo que significa dibujo en italiano, estaba en el corazón de la creación artística en Florencia, donde el arte era un compromiso intelectual y una cuidadosa intento de capturar a los verdaderos contornos de la naturaleza han apreciado. La perfección del dibujo lineal se equipara con una capacidad divina para crear en todas las formas de arte - pintura, escultura y arquitectura. Miguel Ángel fue uno de los florentinos que sacaban sus diseños en pergamino o papel antes de transferir la imagen a la lona y la pinta. En Venecia, colorito - color y su aplicación - transmitieron la pasión viva, desordenado de la vida a través del arte. Coloristas como Tiziano prefieren el enfoque más naturalista a hacer arte: capas, la mezcla y la mejora de pigmentos directamente sobre la Canvas- entonces suavizar los bordes para eliminar todas las pruebas de aplicación por lo que sus pinturas brillarían como si estuviera vivo.
El esfuerzo para hacer natural de arte a través de la precisión llevó a disecciones de cadáveres clandestinos de artistas en un intento de comprender la musculatura y la estructura ósea del cuerpo humano. La poderosa Iglesia Católica Romana, junto con las convenciones sociales, considera la disección de una profanación, por lo que los artistas adquiridos cadáveres y llevó a cabo sus estudios de forma encubierta. El estudio de la anatomía fue particularmente ávido entre los florentinos - Michelangelo y Leonardo eran sólo dos de los artistas que ejercían un bisturí antes de un cincel o un pincel. Lo que esto significa para la pintura era un aumento de la demanda de los clientes de arte por el dominio del cuerpo humano y la descripción exacta de los huesos y los músculos debajo de la piel.
arte pintada es de dos dimensional- claroscuro visualmente engaña al ojo para que vea tres dimensiones y una representación más realista de la vida. Claroscuro, italiano para "luz" y "oscuridad" es exactamente eso - el uso de luces y sombras para simular la caída de la luz sobre un objeto tridimensional. Un pintor imagina luz que brilla en su tema, a continuación, pone de relieve el punto caliente donde la luz incide con mayor intensidad con el pigmento más ligero, generalmente de color blanco. Sombras se extienden y profundizan de las formas pintadas de acuerdo con su relación con la fuente de luz. Los pintores del Renacimiento italiano Leonardo y Raphael hizo uso frecuente del claroscuro. En siglo 17 Ámsterdam, Rembrandt ganaría fama duradera de su hábil uso de esta técnica renacentista.
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sonrisa "de Mona Lisa" no es la única cosa misteriosa sobre ella. La pintura es un ejemplo clásico de la técnica de sfumato - pintura al óleo en el que los colores son suavemente mezclado y bajó el tono de borrar las transiciones y sutilmente atraer la mirada de la oscuridad a la luz. Sfumato utiliza varios esmaltes translúcidos para lograr este efecto - un tipo de tratamiento de ahumado, nebuloso sin bordes o líneas visibles. La técnica crea un velo de sombra transparente que atenúa los colores más brillantes y suaviza los tonos más oscuros. Correggio, Leonardo y Rafael sutilmente suavizan sus pinturas con la técnica de sfumato.
